Photographier comme un Artiste

Après avoir capturé des dizaines de milliers d’images sur plus de 10 ans,  je vous propose une série de conseils pour vous aider à devenir un meilleur photographe, ces conseils sont basés sur mon expérience, tirés de mes erreurs et de ce que j’en ai appris. J’espère que ce document vous aidera dans votre démarche photographique.

1 — Connaître son appareil

Cela peut paraitre évident mais se lancer comme photographe sans passer par une base théorique à peu de sens et vous freinera tôt ou tard. Celui qui connaît son matériel aura toujours un avantage sur celui qui le découvre.

Comprendre les bases théoriques de la photographie qui sont; la vitesse d’obturation, l’ouverture du diaphragme et la sensibilité du capteur (ISO), vous aidera à faire des choix qui s’adaptent aux différents sujets que vous désirez photographier. Les réglages pour photographier une Formule 1 sur circuit n’ont rien de semblable à ceux désirés pour un portrait figé en studio.

Il vous faudra aussi bien connaître votre appareil, qu’il soit argentique ou numérique, connaitre ses forces, ses faiblesses, savoir toutes ses fonctions pour dans un second temps être capable de choisir celles qui vous conviennent le mieux et être plus réactif au moment de la prise de vue. Le même principe s’applique à tous vos accessoires; objectifs, flashs, filtres… Renseignez-vous sur votre matériel. Le matériel a son importance contrairement aux idées reçues.

2 — Définir son sujet

Beaucoup de photographes débutants partent en reportage sans objectif clair, ce qui peut vite mener à un manque de direction. Essayez de sortir avec une idée précise en tête : un thème, un lieu ou une émotion que vous souhaitez capturer. Cela vous évitera de vous retrouver avec beaucoup trop de photos dont la majorité n’amèneront rien dans la construction de votre reportage.

Par exemple, si vous partez en prise de vue avec l’idée de photographier la vie rurale et paysanne, concentrez vous sur tout ce qui rentre dans l’univers de la campagne: les fermes, les animaux, les arbres, la nature… Ne vous éparpillez pas.

3 — Observer constamment

L’observation est la base de la photographie, elle est l’atout principal du photographe, si vous n’observez pas, vous ne serez jamais un bon photographe. Il faut voir ce que personne ne voit, trouver la beauté là où personne ne la trouve. Votre présence est capitale, l’émotion dans laquelle vous partez en reportage se transmettra à travers vos photos.

Un exercice intéressant est de partir prendre des photos avec de la musique dans vos oreilles, vos images seront différentes en écoutant un morceau mélancolique de piano qu’elles le seront avec un set techno.

4 — Établir une démarche (artistique)

Il y a deux types de photographes; ceux dont les photos sont uniquement un témoignage du beau avec une recherche esthétique et ceux dont à cela se rajoute un message fort avec la volonté de transmettre une vision.

J’ai personnellement été très frustré dans un premier temps de ne me retrouver que dans la première catégorie, meme si celle-ci peut suffire pour un temps, tôt ou tard l’artiste en nous se réveillera avec une envie forte de transmettre un message et c’est important d’amener celui-ci dans notre travail.

5 — Exposition

L’exposition est le paramètre principal d’une photo, changer l’exposition d’une photo c’est modifier son histoire et ce qu’elle raconte. J’ai longtemps photographié en sur-exposant légèrement mes photos, je recherchais de la lumière en évitant les ombres, ce qui était très plaisant pour l’oeil. Dernièrement, j’ai beaucoup joué avec les ombres en laissant uniquement ressortir les zones de haute lumière, le rendu à l’inverse invite à l’introspection et nous emmène dans une sensation plus intime.

Une bonne façon de travailler son exposition est de commencer en premier à travailler sur ce paramètre quand vous développez vos photos, essayez différentes configurations pour chacune de vos images et choisissez celle qui s’adapte le mieux a ce que vous voulez transmettre à travers votre photo.

6 — Contrastes

Les contrastes donnent une ambiance à votre image, au plus votre source de lumière sera forte et intense, au plus vos contrastes seront marqués, à l’inverse, au plus votre lumière sera diffuse et douce, au plus vos contrastes seront faibles.

Vous pouvez jouer avec vos contrastes pour donner un mood différent à vos images, le cinéma utilisera par exemple des faibles contrastes pour garder de la douceur et de l’homogénéité entre les différents plans.

Des contrastes faibles rajoutent de la poésie dans les images, les logiciels que vous retrouverez dans vos téléphones, ordinateurs etc. prédétermineront toujours des contrastes assez élevés même dans les réglages de base car ils rajoutent un effet « wahou » mais de mon coté, je préfère toujours les diminuer un minimum pour gagner en douceur.

7 — Grain et netteté

Trop souvent oubliés ou négligés, ces paramètres simulent votre rendu photo dans le réel, ils sont des émulations de différents rendus que pourraient avoir vos photos en fonction du film ou du papier que vous choisissiez.

Nos yeux n’ont pas 80 mégapixels, notre vision paraît organique et sans contours, jouer avec le grain et la netteté avant votre export vous aidera à définir votre signature. Trop de définition et de netteté vous éloignera d’un rendu organique.

8 — Sélection

Il faut être capable de choisir vos meilleures photos en fonction de votre sujet et comme l’expression le dit, choisir c’est renoncer. La sélection est capitale dans le processus photo, donnez 100 bonnes photos à deux photographes, dites leur de faire une sélection de 15 images et d’un travail commun, vous aurez deux travaux complètement différents.

« Less is more ». Choisissez uniquement vos meilleures images, quand il y a une hésitation ou que deux photos se ressemblent, faites un choix et gardez en une seule, celle qui vous parle le plus. Au plus vous arriverez à faire ces choix, au plus la qualité globale de vos reportages s’améliorera.

Il est aussi important de penser sélection déjà à la prise de vue, évitez les photos redondantes et essayez de photographier votre sujet dans son ensemble pour vous éviter de vous rendre compte à la sélection que vous avez beaucoup de photos mais aucune vision d’ensemble.

9 — Créer une série et définir son ordre

La série est intéressante car elle permet de créer une histoire, elle est différente de la sélection, elle est une organisation dans la sélection. Elle construit l’histoire de votre reportage, voyez la comme la mise en cinéma de vos images. Définissez vous même l’ordre de vos photos, ne dévoilez pas tout avec les premières, variez entre cadrages larges et serrés, entre portraits et paysages, entre couleurs et noir et blanc, toutes ces alternances créeront de la dynamique. Soyez particulièrement attentif au choix de votre première image et de votre dernière, elles sont les portes d’entrée et de sortie de vos auditeurs.

10 — Couleurs ou noir et blanc

Un choix toujours difficile même après des années de pratique. La couleur nous donne plus d’informations sur la scène, elle est dans un sens plus transparente sur l’évènement mais elle rajoute de la matière, elle peut des fois nous éloigner de notre sentiment sur la composition. Le noir et blanc nous plonge dans l’intemporalité avec son coté vintage et mélancolique, il est ce que l’appellation mineur est à la musique, il est romantique.

Un conseil pratique si vous êtes un fervent comme moi du noir et blanc est de vous demander pour chaque photo si la couleur amène vraiment quelque chose de plus à l’image, de manière générale, la photographie d’un champ de fleurs se prêtera beaucoup plus à un traitement couleur tout comme un portrait d’artiste sur fond blanc sera généralement plus accrocheur en noir et blanc.

11 — Partager

Si vous ne partagez pas vos photos, elles n’existeront que pour vous et personne ne pourra jamais être témoin de votre talent, vous n’aurez pas de retour sur votre travail et vous exclurez toute opportunité de venir à vous.

Partager peut faire peur car il y a toujours cette peur du regard des autres sur notre travail mais c’est important de le faire, il y a un coté égoïste à garder son art pour soi, il faut le partager, les gens autour de vous en ont besoin.

«  Le monde a besoin de votre art »  — Rick Rubin

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